C   L   A   U   D   I   O       E   D   I   N   G   E  R

Nació en Río de Janeiro el 3 de mayo de 1952. Se dedica a la fotografía documental y periodística, además de trabajar como fotógrafo independiente para periódicos brasileños y estadounidenses y sus fotografías han aparecido en las principales revistas de todo el mundo, incluidos los Stern, The New York Times, London Sunday, Times, Vanity Fair, Frankfurter Allgemeine, El País, Time, Paris Match, Newsweek y muchos más. Su trabajo ha sido expuesto en el ICP de Nueva York, el Centro Pompidou, Photographer’s Gallery, Perpignan Foto Fest, Higashikawa Foto Fest, Museu de Arte de São Paulo, Museu de Imagem e do Som, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Instituto Cultural Itau, Casa da Cultura Judaica, Centro Cultural Banco do Brasil, entre otros.

A lo largo de los 20 años en que permanece en los Estados Unidos, publica 11 libros, entre los cuales se encuentran Chelsea Hotel, de 1983, y Venice Beach, de 1985, publicados por la Abbeville Press, ambos ganadores del premio Leica Medal of Excellence, en los Estados Unidos. Por el proyecto Loucura [Locura], sobre la residencia de enfermos mentales del Hospital Psiquiátrico do Juqueri, en Franco da Rocha, São Paulo, recibe el Premio Ernst Haas, en 1990. En 1993, en São Paulo, recibe la Beca Vitae de Fotografía para fotografiar el carnaval de Brasil, y de ese trabajo resulta el libro Carnaval, publicado por la editorial DBA Artes Gráficas, en 1996. En ese mismo año regresa a São Paulo, donde se establece.

 F   E   R   N   A   N   D   O       Z   Ó   B   E   L 

Pintor español. Procedente de una familia acomodada española, cursó estudios de Medicina y comenzó a pintar en 1942 durante una enfermedad. Después de haber pasado su infancia entre Filipinas, España y Suiza, estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Harvard en Estados Unidos, entre 1946 y 1949, presentando una tesina sobre el teatro de García Lorca.

Su estancia en ese prestigioso centro permitió que entrase en contacto con los pintores de la Escuela de Boston. De formación autodidacta, desarrolló su pintura en estos años y, al finalizar sus estudios, prolongó su estancia allí trabajando como ayudante del Departamento de Artes Gráficas del Harvard College Library, con el fin de seguir pintando e investigando.

En 1951 regresó a Manila, y allí compatibilizó su trabajo en el mundo empresarial (al que estaba vinculado por lazos familiares, con propiedades como las célebres Cervezas San Miguel), con la pintura, el mecenazgo, la investigación y la docencia, hasta que, en 1961, traslada definitivamente su residencia a España y decide dedicarse por entero a la pintura.

En 1954 viajó de nuevo a Estados Unidos, a la Rhode Island School of Design de Providence, donde pintó y estudió técnicas de grabado y, posteriormente, a Francia, Italia y España, lo que le permitió conocer el expresionismo abstracto americano y el informalismo europeo. El descubrimiento de la obra de Mark Rothko y la fotografía facilitaron su paso hacia la abstracción, abandonando la pintura figurativa y romántica de su etapa anterior. En España, que frecuentó cada vez más desde 1955, comenzó a coleccionar obras de artistas abstractos españoles, con las que formó en 1966 el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, junto a Gerardo Rueda y Gustavo Torner. Desde entonces alternó estancias entre Madrid, Cuenca y Sevilla.

En sus primeras obras abstractas, las llamadas Saetas(1957-1959), caligrafías sobre fondos de color, influyen la estética oriental y el expresionismo abstracto americano. Posteriormente, pasa a la Serie Negra, la que coincide con el apogeo del grupo "El Paso". Adopta el grafismo negro pero sólo sobre fondos blancos, enfatizando el movimiento y su fuerza expresiva. Su pintura, organizada en series, trata temas como el paisaje conquense, el río Júcar e interpretaciones de obras de la historia del arte, que se desarrollan en un complejo sistema de trabajo que empieza con dibujos, apuntes, fotografías y acuarelas.

Entre sus múltiples actividades artísticas hay que señalar su labor en el campo literario, su colaboración como asesor de la Fundación March de Madrid y el mecenazgo que desarrolló en el contexto artístico español y estadounidense. Hoy, en Harvard, hay una importantísima cátedra de historia del arte español que lleva su nombre (en la actualidad, la ocupa el profesor Serafín Moralejo). En 1983, recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

M   I   C   H   A   L      M   A   C   K   U

Michal utiliza su propio cuerpo como patrón para sus figuras. Conocer íntimamente su propio cuerpo le permite expresarse con mayor precisión que haciendo fotografías a otra persona. Este auto-conocimiento y auto-búsqueda tiene un efecto metafórico en sus temas pictóricos, algunos de los cuales hacen crecer los intereses del autor por las esferas extrarracionales del reconocimiento, algunos aspectos del budismo y otros sistemas religiosos y filosóficos en un dualismo de corporeidad y espiritualidad.

 Gellage: la mezcla del collage y de la gelatina. 
La técnica consiste en transformar la emulsión fotográfica expuesta y fijada de su base original en el papel. Esta sustancia transparente y plástica de la gelatina permite formar y reformar de nuevo las imágenes originales, cambiando sus relaciones y dotándolas con nuevos significados durante la transferencia. El trabajo acabado da una imagen compacta con una estructura superficial fina. Creado en papel fotográfico de gran calidad, cada Gellage es una impresión altamente durable y perfectamente satisfecha para recoger y exhibir. La tecnología laboriosa, que incluye a menudo el uso más que un negativo por imagen, hace imposible producir impresiones absolutamente idénticas: Cada Gellage es una obra de arte original. El artista hace por lo menos 12 firmados e impresiones numeradas de cada imagen.

Dice: “Utilizo el cuerpo humano desnudo (sobre todo el mío propio) en mis fotografías. Con el proceso fotográfico del “Gellage”, se obliga a este cuerpo humano concreto que resuelva con ruidos y distorsiones abstractos. Esta conexión es la más emocionante para mí y me ayuda a encontrar nuevos niveles humanos en el trabajo que resulta.”

Aunque los Gellages es la parte principal de su obra, su capacidad creativa no se detiene en ella. En su web podemos ver sus creaciones en la serie Carbón Printing y Glass Objetcts. Sobre Carbon Printing el propio autor cuenta;

“Las impresiones de carbono pueden ser virtualmente indistinguibles a las impresiones de plata. Porque debido a su perceptible relieve, las imágenes de carbono a menudo tienen una aparente mayor nitidez que las impresiones de plata. La estabilidad de carbono está limitada sólo por la compañía de gelatina y su base de papel, por que es el más estable de todos los procesos fotográficos.”

G   I   O   R   G   I   A       N   A   P   O   L   E   T   A   N   O

Giorgia Napoletano (alias Blekotakra) es una joven fotógrafa italiana cuyo trabajo es casi exclusivamente en blanco y negro y tiene un contenido visiblemente oscura en el que da formas a sus autorretratos con una desconstrucción creativa seria y bien planteada.

Con 19 años y una corta historia artística ya ofrece composiciones que nos transportan a un mundo oscuro lleno de planteamientos inquietantes que no excluyen una veraz belleza hacia lo desconocido, imágenes surrealistas y extrañas que se limitan a nacer de la artista en busca de un poco de luz. 

Fotocomposiciones conceptuales que dejan una impresión seductora e inquietante en nuestras retinas. Una joven con mucho talento que tiene aún mucho que decirnos...

D   A   V   I   D       N   E   B   R   E   D   A

David nació el primero de marzo de 1952 en Madrid, Le diagnosticaron esquizofrenia con 19 años, estuvo internado en varias clínicas durante años hasta que un día decidió abandonarla, dejando el tratamiento sin impórtarle.
Se dice que vivía solo en una casa en Madrid que solo tiene 2 habitaciones, la cual usaba como taller y casa. Es vegetariano desde hace 30 años, practica el ayuno y la abstinencia sexual y se somete a extenuantes ejercicios físicos. También disfruta autolesionarse. 




Muchos críticos de arte han declarado que sus fotos son muestra de un arte formalmente perfeccionista, lleno de tenebrismo; mismas que recuerdan al pintor caravaggio, creador de este término tan conocido.

El propio autor intenta de este modo tan dramático mostrar la vulnerabilidad y la mortalidad del cuerpo para reafirmarse en su identidad.

Pero, ¿merece la pena castigarse así? "He pagado mi precio, pero estoy orgulloso de ello. No soy un masoquista o un fotógrafo de heridas".”, argumenta nebreda. Una de sus imágenes (probablemente escrita con fluidos corporales) contiene el siguiente texto a veces entrecortado con palabras en sucesión sin formar frases completas: he conocido al enemigo de dentro y de fuera. Tengo miedo de seguir utilizando mi sangre, las quemaduras, los azotes, el agotamiento, los clavos. Sólo conservar de mi patrimonio el silencio 

Jean Baudrillard;  “Nebreda consigue negarse absolutamente y plasmar esta auto-negación como obra de arte”. 

El trabajo de Nebreda no se asemeja a nada que hayamos conocido antes, y todas las piruetas interpretativas aparecen como máscaras, muletas conceptuales demasiado endebles para soportar el peso abrumador de "esa" realidad. El sistema del arte contempo­ráneo, a pesar de que es muy correoso y omnívoro, no ha encontrado todavía la manera de digerir a este personaje.

J  O  E  L  -  P  E  T  E  R     W  I  T  K  I  N

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

"Nacemos desnudos. En realidad deberíamos vivir desnudos -- no lo digo literalmente, sino en términos de honestidad y franqueza. He visto cientos de personas sobre las losas, y ocasionalmente veo una mujer que aun es hermosa-- y eso es muy muy impresionante. Tiene un impacto muy fuerte porque esta uno mirando les restos de una vida humana, o la evidencia de lo que fue una vida".

F   R   A   N   C   I   S      B   E   A   C   O   N 

Su padre entrenaba caballos de carreras en Dublín, pero debido a la Primera Guerra Mundial tuvo que mudarse con su familia a Londres en 1914. Entre 1914 y 1925 la familia vivió entre Inglaterra e Irlanda.

La infancia de Francis Bacon no fue fácil. Padecía de asma crónica y tuvo una formación escolar irregular porque la enfermedad le impedía acudir al colegio; cuando sufría ataques asmáticos fuertes le administraban morfina. Fue expulsado de casa por su padre cuando tenía 16 años, al manifestar sus inclinaciones homosexuales.

En 1926 comenzó a tomar lecciones de dibujo en la St Martin School of Arts de Londres. A partir de 1927 vive entre París y Berlín, donde comienza a trabajar como decorador de interiores y es en esta etapa cuando empieza a pintar, no alcanzando el éxito con sus primeros cuadros.

Residió durante medio año cerca de Chantilly, alojado por una pianista y aficionada al arte que había conocido en una exposición en París. En esa época en Chantilly admiró el cuadro La masacre de los inocentes de Poussin, conservado en el Museo Condé sito en dicha localidad. Este cuadro le inspiraría múltiples obras. Pero la influencia más importante que le lleva a pintar es una visita a una exposición de Picasso en París, la cual le impresiona y que será una influencia en su trabajo: «Aquellos pierrots, desnudos, paisajes y escenarios me impresionaron mucho, y después pensé que quizá yo también podría pintar».

Bacon decidió que el tema de sus pinturas sería la vida en la muerte: debía buscar a su yo más vital, pero también al más autodestructivo. Michel Leiris le sugirió que «el masoquismo, el sadismo y casi todos los vicios, en realidad, eran tan solo maneras de sentirse más humano».

No obstante no había logrado el reconocimiento, y cuando cumplió 35 años, por su carácter temperamental, destruyó casi todos sus cuadros. Los cuadros de Bacon tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

Los retratos y autorretratos son una gran parte de las pinturas, donde refleja la fragilidad de ser.

En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca Bacon refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia.


A lo largo de toda su carrera Bacon recurrió al informalismo, al expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo. Sin embargo, para algunos autores la obra de Francis Bacon no pertenece a tal corriente. Se trata de una pintura de corte expresionista pero muy difícil de clasificar, porque nunca perteneció a ningún movimiento artístico.