D   A   I   D   O       M    O   R    I   Y   A    M   A

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El japonés, que se considera un 'fotógrafo-perro' movido por el 'olor' de las ciudades, es uno de los mejores documentalistas contemporáneos del vértigo deshumanizado y la náusea emocional de las grandes urbes, (La deriva urbana).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

R  I  N  K  O     K  A  W  A  U  C  H  I  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A N O U S H   A B R A R 

X   I   N   G       D   A   N   W   E   N 

Xing Danwen nació en 1967 en Xi'an, China y realizó estudios de pintura en la Academia Central de Bellas Artes de Pekín.

Comenzó a explorar en la fotografía en 1989, convirtiéndose en parte fundamental de su obra.

Sus raíces en la pintura han sido de gran influencia en sus composiciones fotográficas, consiguiendo una inquietante y dramática aproximación.

Actualmente Xing Danwen vive en Pekín y trabaja como reportera.

 J      U      L      I      A              P      O      T      T  

Juia Pott es una animadora/ilustradora independiente de Inglaterra, pero residente en Brooklyn. Su amor por la ilustración y la animación comenzó desde muy pequeña, así que desde temprana edad fue desarrollando su talento y su estilo inconfundible que conocemos ahora. Inició sus estudios de ilustración y animación en la universidad de Kingstone, en donde hizo el cortometraje animado “My First Crush”. Con este cortometraje, Julia Pott entró en el mapa del mundo de la animación por su originalidad.

Después de graduarse tuvo la oportunidad de trabajar como freelance para diferentes clientes como: MTV, Toyota y también para grupos musicales importantes en la escena independiente como Bat for Lashes y The Descemberists. Ha colaborado en diversos proyectos importantes como Treat Studios , que es un colectivo de animadores e ilustradores, y Bare Bones Films.

Julia Pott decidió hacer una maestría en animación en la Royal College of Art en Londres. Esto le permitió mejorar y crecer como animadora. Lo podemos ver en sus dos cortometrajes realizados en este periodo que recibieron muy buenas críticas por el público y los festivales internacionales.

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C   L   A   U   D   I   O       E   D   I   N   G   E  R

Nació en Río de Janeiro el 3 de mayo de 1952. Se dedica a la fotografía documental y periodística, además de trabajar como fotógrafo independiente para periódicos brasileños y estadounidenses y sus fotografías han aparecido en las principales revistas de todo el mundo, incluidos los Stern, The New York Times, London Sunday, Times, Vanity Fair, Frankfurter Allgemeine, El País, Time, Paris Match, Newsweek y muchos más. Su trabajo ha sido expuesto en el ICP de Nueva York, el Centro Pompidou, Photographer’s Gallery, Perpignan Foto Fest, Higashikawa Foto Fest, Museu de Arte de São Paulo, Museu de Imagem e do Som, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Instituto Cultural Itau, Casa da Cultura Judaica, Centro Cultural Banco do Brasil, entre otros.

A lo largo de los 20 años en que permanece en los Estados Unidos, publica 11 libros, entre los cuales se encuentran Chelsea Hotel, de 1983, y Venice Beach, de 1985, publicados por la Abbeville Press, ambos ganadores del premio Leica Medal of Excellence, en los Estados Unidos. Por el proyecto Loucura [Locura], sobre la residencia de enfermos mentales del Hospital Psiquiátrico do Juqueri, en Franco da Rocha, São Paulo, recibe el Premio Ernst Haas, en 1990. En 1993, en São Paulo, recibe la Beca Vitae de Fotografía para fotografiar el carnaval de Brasil, y de ese trabajo resulta el libro Carnaval, publicado por la editorial DBA Artes Gráficas, en 1996. En ese mismo año regresa a São Paulo, donde se establece.

 F   E   R   N   A   N   D   O       Z   Ó   B   E   L 

Pintor español. Procedente de una familia acomodada española, cursó estudios de Medicina y comenzó a pintar en 1942 durante una enfermedad. Después de haber pasado su infancia entre Filipinas, España y Suiza, estudió Filosofía y Letras en la Universidad de Harvard en Estados Unidos, entre 1946 y 1949, presentando una tesina sobre el teatro de García Lorca.

Su estancia en ese prestigioso centro permitió que entrase en contacto con los pintores de la Escuela de Boston. De formación autodidacta, desarrolló su pintura en estos años y, al finalizar sus estudios, prolongó su estancia allí trabajando como ayudante del Departamento de Artes Gráficas del Harvard College Library, con el fin de seguir pintando e investigando.

En 1951 regresó a Manila, y allí compatibilizó su trabajo en el mundo empresarial (al que estaba vinculado por lazos familiares, con propiedades como las célebres Cervezas San Miguel), con la pintura, el mecenazgo, la investigación y la docencia, hasta que, en 1961, traslada definitivamente su residencia a España y decide dedicarse por entero a la pintura.

En 1954 viajó de nuevo a Estados Unidos, a la Rhode Island School of Design de Providence, donde pintó y estudió técnicas de grabado y, posteriormente, a Francia, Italia y España, lo que le permitió conocer el expresionismo abstracto americano y el informalismo europeo. El descubrimiento de la obra de Mark Rothko y la fotografía facilitaron su paso hacia la abstracción, abandonando la pintura figurativa y romántica de su etapa anterior. En España, que frecuentó cada vez más desde 1955, comenzó a coleccionar obras de artistas abstractos españoles, con las que formó en 1966 el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, junto a Gerardo Rueda y Gustavo Torner. Desde entonces alternó estancias entre Madrid, Cuenca y Sevilla.

En sus primeras obras abstractas, las llamadas Saetas(1957-1959), caligrafías sobre fondos de color, influyen la estética oriental y el expresionismo abstracto americano. Posteriormente, pasa a la Serie Negra, la que coincide con el apogeo del grupo "El Paso". Adopta el grafismo negro pero sólo sobre fondos blancos, enfatizando el movimiento y su fuerza expresiva. Su pintura, organizada en series, trata temas como el paisaje conquense, el río Júcar e interpretaciones de obras de la historia del arte, que se desarrollan en un complejo sistema de trabajo que empieza con dibujos, apuntes, fotografías y acuarelas.

Entre sus múltiples actividades artísticas hay que señalar su labor en el campo literario, su colaboración como asesor de la Fundación March de Madrid y el mecenazgo que desarrolló en el contexto artístico español y estadounidense. Hoy, en Harvard, hay una importantísima cátedra de historia del arte español que lleva su nombre (en la actualidad, la ocupa el profesor Serafín Moralejo). En 1983, recibió la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

M   I   C   H   A   L      M   A   C   K   U

Michal utiliza su propio cuerpo como patrón para sus figuras. Conocer íntimamente su propio cuerpo le permite expresarse con mayor precisión que haciendo fotografías a otra persona. Este auto-conocimiento y auto-búsqueda tiene un efecto metafórico en sus temas pictóricos, algunos de los cuales hacen crecer los intereses del autor por las esferas extrarracionales del reconocimiento, algunos aspectos del budismo y otros sistemas religiosos y filosóficos en un dualismo de corporeidad y espiritualidad.

 Gellage: la mezcla del collage y de la gelatina. 
La técnica consiste en transformar la emulsión fotográfica expuesta y fijada de su base original en el papel. Esta sustancia transparente y plástica de la gelatina permite formar y reformar de nuevo las imágenes originales, cambiando sus relaciones y dotándolas con nuevos significados durante la transferencia. El trabajo acabado da una imagen compacta con una estructura superficial fina. Creado en papel fotográfico de gran calidad, cada Gellage es una impresión altamente durable y perfectamente satisfecha para recoger y exhibir. La tecnología laboriosa, que incluye a menudo el uso más que un negativo por imagen, hace imposible producir impresiones absolutamente idénticas: Cada Gellage es una obra de arte original. El artista hace por lo menos 12 firmados e impresiones numeradas de cada imagen.

Dice: “Utilizo el cuerpo humano desnudo (sobre todo el mío propio) en mis fotografías. Con el proceso fotográfico del “Gellage”, se obliga a este cuerpo humano concreto que resuelva con ruidos y distorsiones abstractos. Esta conexión es la más emocionante para mí y me ayuda a encontrar nuevos niveles humanos en el trabajo que resulta.”

Aunque los Gellages es la parte principal de su obra, su capacidad creativa no se detiene en ella. En su web podemos ver sus creaciones en la serie Carbón Printing y Glass Objetcts. Sobre Carbon Printing el propio autor cuenta;

“Las impresiones de carbono pueden ser virtualmente indistinguibles a las impresiones de plata. Porque debido a su perceptible relieve, las imágenes de carbono a menudo tienen una aparente mayor nitidez que las impresiones de plata. La estabilidad de carbono está limitada sólo por la compañía de gelatina y su base de papel, por que es el más estable de todos los procesos fotográficos.”